ENTREGA AL PÚBLICO DE INVITACIONES SIN CARGO PARA LA FUNCIÓN DE GALA EN CELEBRACIÓN DEL BICENTENARIO
El Teatro Argentino de La Plata, dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, informa que este viernes 21 se entregarán invitaciones sin cargo para la Función de Gala en celebración del Bicentenario de la Patria que se realizará el miércoles 26 de mayo, a las 20.30; con el propósito de permitir que la comunidad platense también participe de esta inolvidable fiesta. A partir de las 10, en boletería, se podrán retirar un máximo de dos entradas por persona, hasta agotar el cupo disponible.Se recuerda que en la Función de Gala se interpretará el Himno Nacional Argentino, se ofrecerá el ballet “Estancia” (Suite) de Ginastera, y se producirá el estreno sudamericano de la ópera “Ainadamar” de Golijov. Participan los tres cuerpos artísticos del Teatro Argentino. Es requisito indispensable para asistir a la “gala” vestimenta formal. Vestido de noche para las señoras y traje oscuro para los hombres.
miércoles, 19 de mayo de 2010
domingo, 16 de mayo de 2010
Festival "Martha Argerich & Friends"
Se desarrolló los días 14 y 17 de Marzo y llevó a Roma música de cámara de nuestro país. 
Martha Argerich presentó en Roma un repertorio exclusivo de música argentina con obras de Guastavino, Piazzolla, López Buchardo, Lasala, Ginastera, Hubert, Marconi, Bacalov y Gardel/Le Pera. Además, como homenaje a un mes de su muerte, se interpretó la misa de Ariel Ramirez. Los conciertos se desarrollaron en el Auditorium-Parque de la Música sala preparada para recibir a 2800 espectadores.La acompañaron músicos argentinos de gran renombre como los compositores y pianistas Luis Bacalov y Eduardo Hubert, el violinista Rafael Gintoli, el bandoneonista Néstor Marconi y el director de coro y orquesta José María Sciutto. Participó también el charanguista Rolando Goldman y la única cantante invitada fue Susana Moncayo. Además los acompañaron destacados instrumentistas italianos miembros de la orquesta de la Accademia Nazionale di Santa Cecilia.
Durante este mes les regalaremos en los domingos de medianoche digital momentos de este festival, para que la música Argentina suene también desde el centro porteño.
Esta noche compartiremos la Suite Baires 1 de Luis Bacalov interpretado en piano por su autor junto Eduardo Hubert. Esta obra se escuchó por primera vez en Buenos Aires en el año 2008 en su versión de bandoneón, violín y orquesta, bajo la dirección de su autor
La obra se divide en 3 números. El mismo Luis Bacalov ha dicho: “el primero es una especie de viaje virtual entre España, Italia, Cuba y Buenos Aires. El segundo es una meditación del sentir del alma porteña, de la noche. Y el tercero es, prácticamente, un tango".
Luis Bacalov reside hace años en Italia, sin embargo, siente el tango como parte de su identidad y es así que este género aparece una y otra vez en sus composiciones.
Además ha realizado la música de gran cantidad de films. Ha ganado el oscar por la composición de la música de Il Postino.
sábado, 15 de mayo de 2010
viernes, 14 de mayo de 2010
Nina Simone denuncia
La letra hace referencia a la esclavitud y la opresión del pueblo afroamericano.
Cuatro mujeres
Cuatro mujeres
domingo, 9 de mayo de 2010
La música al servicio del Estado y de la Revolución
Toda revolución política se nutre de una revolución cultural, donde pensadores y artistas promueven una renovación intelectual y espiritual que se supone debe responder a las aspiraciones del pueblo.
En pleno Mayo, mes de la revolución argentina, les proponemos una mirada a la Revolución Francesa. Cuna de las ideas de libertad e igualdad, la revolución puso fin al absolutismo. La burguesía, y en algunas ocasiones las masas populares, se convirtieron en la fuerza política dominante en el país. Pero ¿que lugar tuvo la música en la revolución?
Durante los años de la revolución se creó una estética nueva donde las masas populares pudieran encontrar la expresión de su sensibilidad. Una música del pueblo y para pueblo, en donde se formaban coros multitudinarios que ensayaban en las plazas.
El mismo Etienne Méhul compositor francés de la revolución decía: “el pueblo francés no es músico pero es sensible a la música. Con el tiempo cantará, y cantará bien (…) el pueblo debe cantar y la opera adoptará el canto del pueblo”. Así es que los himnos eran sencillos, con ritmos simples y líneas melódicas elementales, sin ornamentaciones y muchas veces con cantos al unísono incluso presentes en algunos instrumentos de la orquesta. La música estaba al servicio de un texto que debe transmitir el mensaje político.
Fuera de los teatros y de las salas de concierto, la Revolución generó una gran cantidad de música para consumir al aire libre en calles y plazas y la música dejó de ser el privilegio de unos pocos. Se sucedían celebraciones para festejar las victorias, así como despedidas a los héroes caídos en la revolución. La música militar y los himnos a la libertad se convirtieron en los géneros más utilizados. El dispositivo visual y sonoro debía ampliarse para lograr mayor impacto y las orquestas, bandas y coros aumentaron su cantidad de integrantes generando grandes masas sonoras. Además, cobraron una gran importancia los instrumentos de viento y de percusión. También se ampliaron las formas musicales que fueron cada vez más extensas. Para estas ocasiones los compositores crearon himnos patrios, canciones de despedidas para los ejércitos, marchas nacionales, himnos a la razón o a la libertad y marchas fúnebres para los héroes caídos. Todo esto llegó también a la ópera que fue junto con el teatro un medio fundamental de difusión. Las temáticas y argumentos cambiaron: los personajes eran por ejemplo presos políticos (este es el caso de Leonor o el Amor conyugal) y los hechos reales aparecieron en escena representando los ideales de la revolución.
Dos grandes compositores de esos años, François-Joseph Gossec y Etienne Méhul se dedicaron especialmente a componer música para la revolución. Éste último compuso gran cantidad de canciones patrióticas y de propaganda, la más conocida Chant du départ. Más tarde, fue amigo de Napoleón y se convirtió en uno de los primeros franceses en recibir la Legión de Honor.
Estas músicas influyeron en compositores del resto de Europa. Seguramente el caso más conocido es el de Ludwig van Beethoven, especialemtente en obras como su sinfonía Heroica, así como en su única ópera Fidelo.
En pleno Mayo, mes de la revolución argentina, les proponemos una mirada a la Revolución Francesa. Cuna de las ideas de libertad e igualdad, la revolución puso fin al absolutismo. La burguesía, y en algunas ocasiones las masas populares, se convirtieron en la fuerza política dominante en el país. Pero ¿que lugar tuvo la música en la revolución?
Durante los años de la revolución se creó una estética nueva donde las masas populares pudieran encontrar la expresión de su sensibilidad. Una música del pueblo y para pueblo, en donde se formaban coros multitudinarios que ensayaban en las plazas.
El mismo Etienne Méhul compositor francés de la revolución decía: “el pueblo francés no es músico pero es sensible a la música. Con el tiempo cantará, y cantará bien (…) el pueblo debe cantar y la opera adoptará el canto del pueblo”. Así es que los himnos eran sencillos, con ritmos simples y líneas melódicas elementales, sin ornamentaciones y muchas veces con cantos al unísono incluso presentes en algunos instrumentos de la orquesta. La música estaba al servicio de un texto que debe transmitir el mensaje político.
Fuera de los teatros y de las salas de concierto, la Revolución generó una gran cantidad de música para consumir al aire libre en calles y plazas y la música dejó de ser el privilegio de unos pocos. Se sucedían celebraciones para festejar las victorias, así como despedidas a los héroes caídos en la revolución. La música militar y los himnos a la libertad se convirtieron en los géneros más utilizados. El dispositivo visual y sonoro debía ampliarse para lograr mayor impacto y las orquestas, bandas y coros aumentaron su cantidad de integrantes generando grandes masas sonoras. Además, cobraron una gran importancia los instrumentos de viento y de percusión. También se ampliaron las formas musicales que fueron cada vez más extensas. Para estas ocasiones los compositores crearon himnos patrios, canciones de despedidas para los ejércitos, marchas nacionales, himnos a la razón o a la libertad y marchas fúnebres para los héroes caídos. Todo esto llegó también a la ópera que fue junto con el teatro un medio fundamental de difusión. Las temáticas y argumentos cambiaron: los personajes eran por ejemplo presos políticos (este es el caso de Leonor o el Amor conyugal) y los hechos reales aparecieron en escena representando los ideales de la revolución.
Dos grandes compositores de esos años, François-Joseph Gossec y Etienne Méhul se dedicaron especialmente a componer música para la revolución. Éste último compuso gran cantidad de canciones patrióticas y de propaganda, la más conocida Chant du départ. Más tarde, fue amigo de Napoleón y se convirtió en uno de los primeros franceses en recibir la Legión de Honor.
Estas músicas influyeron en compositores del resto de Europa. Seguramente el caso más conocido es el de Ludwig van Beethoven, especialemtente en obras como su sinfonía Heroica, así como en su única ópera Fidelo.
domingo, 2 de mayo de 2010
Alicia Nafé en Medianoche Digital
Susana, Boris, Inés, Alicia, José. Domingo 2 de mayo en Radio Nacional Clásica
"LA CLEMENZA DI TITO"
Duo de la ópera Cavallería Rusticana... uno de sus "pecados"
Astor Piazzolla, una nueva cara de la tradición porteña
“Yo hice una revolución en el tango, rompí con viejos moldes, por eso me atacaron y tuve que defenderme. Pero lo que nadie me puede negar es mi origen; tengo el tango marcado en el orillo, es uno de mis orgullos." (Astor Piazzolla)
Astor Piazzolla es hoy en día un símbolo de nuestra música. Es internacionalmente alabado y sus obras suenan en casi todas las casas porteñas, sin importar edades ni géneros de preferencia. Fue un revolucionario del tango y supo reunir leguajes diversos en una nueva sonoridad. Combinó el estudio académico de la música y la práctica de los estilos populares urbanos. Transitó los dos campos y compuso tangos y obras sinfónicas. Ya hacía varios años que el tango entraba en lo académico, entre otros, con Juan José Castro y su sinfonía Arrabal. Pero el camino inverso era aún desconocido. El aporte más grande de Astor Piazzolla fue quizás llevar al tango elementos de lo académico. Utilizó recursos típicos del barroco como los fugados, formaciones instrumentales camarísticas, uso de secuencias y ostinatos. Al principio esto fue visto como una amenaza, y fue acusado por parte de la institución del tango como un destructor de la esencia del género, por matar la melodía y desentenderse del baile. Este nuevo tango no se baila, se escucha y de esta forma se libera. Piazzolla trabajó con la tradición, y genero una ruptura, refundó un tango que estaba en crisis en los ’60 y lo llevó a un nuevo lugar.
Un claro ejemplo de estas rupturas, quiebres y fusiones entre géneros es su operita María de los Buenos Aires, espectáculo teatral estrenado en 1968, el primero en el género de ópera-tango. La operita es la obra de mayores pretensiones que abordó Piazzolla en el género vocal. Posee un texto dramático continuo y una lograda unidad a partir de la suma de partes cantadas, recitados y fragmentos instrumentales. La ópera narra la trágica caída de una mujer de la calle arrojada al mundo de la prostitución. Relata su vida, muerte y resurrección. Abundan esteriotipados personajes porteños y consigue recrear los sonidos y los aromas genuinos de los arrabales de la gran capital. Se la considera por musicólogos como Malena Kuss como una alegoría para traducir la historia del tango, dando a la voz de la ciudad un nacimiento, una vida, una primera muerte y una resurrección final en el tango nuevo. María es el tango mismo, es la voz de la ciudad.
Esta noche traemos la reciente grabación de María de Buenos Aires en la nueva versión del bandoneonísta Marcelo Nisinman. Es el segundo registro grabado de la obra y se realizó en los mismísimos estudios ION, donde se registró la grabación original. Reúne un grupo de notables artistas que incluye a Raúl Lavié, Fernando Suárez Paz, Alicia Vignola y Cristian Zárate. En la Medianoche de hoy hablaremos en vivo con Raúl Lavié para conocer más sobre la obra y el proyecto.
Aquí un link a una entrevista realizada a Marcelo Nisinman el 29 de Marzo de este año donde cuenta el proceso de Remake:
http://www2.criticadigital.com/impresa/index.php?secc=nota&nid=40769
Astor Piazzolla es hoy en día un símbolo de nuestra música. Es internacionalmente alabado y sus obras suenan en casi todas las casas porteñas, sin importar edades ni géneros de preferencia. Fue un revolucionario del tango y supo reunir leguajes diversos en una nueva sonoridad. Combinó el estudio académico de la música y la práctica de los estilos populares urbanos. Transitó los dos campos y compuso tangos y obras sinfónicas. Ya hacía varios años que el tango entraba en lo académico, entre otros, con Juan José Castro y su sinfonía Arrabal. Pero el camino inverso era aún desconocido. El aporte más grande de Astor Piazzolla fue quizás llevar al tango elementos de lo académico. Utilizó recursos típicos del barroco como los fugados, formaciones instrumentales camarísticas, uso de secuencias y ostinatos. Al principio esto fue visto como una amenaza, y fue acusado por parte de la institución del tango como un destructor de la esencia del género, por matar la melodía y desentenderse del baile. Este nuevo tango no se baila, se escucha y de esta forma se libera. Piazzolla trabajó con la tradición, y genero una ruptura, refundó un tango que estaba en crisis en los ’60 y lo llevó a un nuevo lugar.
Un claro ejemplo de estas rupturas, quiebres y fusiones entre géneros es su operita María de los Buenos Aires, espectáculo teatral estrenado en 1968, el primero en el género de ópera-tango. La operita es la obra de mayores pretensiones que abordó Piazzolla en el género vocal. Posee un texto dramático continuo y una lograda unidad a partir de la suma de partes cantadas, recitados y fragmentos instrumentales. La ópera narra la trágica caída de una mujer de la calle arrojada al mundo de la prostitución. Relata su vida, muerte y resurrección. Abundan esteriotipados personajes porteños y consigue recrear los sonidos y los aromas genuinos de los arrabales de la gran capital. Se la considera por musicólogos como Malena Kuss como una alegoría para traducir la historia del tango, dando a la voz de la ciudad un nacimiento, una vida, una primera muerte y una resurrección final en el tango nuevo. María es el tango mismo, es la voz de la ciudad.
Esta noche traemos la reciente grabación de María de Buenos Aires en la nueva versión del bandoneonísta Marcelo Nisinman. Es el segundo registro grabado de la obra y se realizó en los mismísimos estudios ION, donde se registró la grabación original. Reúne un grupo de notables artistas que incluye a Raúl Lavié, Fernando Suárez Paz, Alicia Vignola y Cristian Zárate. En la Medianoche de hoy hablaremos en vivo con Raúl Lavié para conocer más sobre la obra y el proyecto.
Aquí un link a una entrevista realizada a Marcelo Nisinman el 29 de Marzo de este año donde cuenta el proceso de Remake:
http://www2.criticadigital.com/impresa/index.php?secc=nota&nid=40769
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