GERMAINE TAILLEFERRE la “hija musical” de Satie

Seguimos en la búsqueda de grandes mujeres que han hecho historia en la música. Para hoy, una mujer francesa, firme, decidida, exitosa. Desde niña compone y toca el piano; hasta los 91 años continuó dedicandose a la composición.

Fue admirada por Satie quien la consideraba su "hija musical" y por Ravel que fue durante años su gran amigo. Su actividad musical fue constante. Estuvo en el núcleo artístico y su prioridad día a día fue la música. Compuso obras de lo más variadas: conciertos, estudios para piano, óperas, ballets, obras sinfónicas y muchas piezas para ensambles de cámara. Desde la década del 30 compuso la música para gran cantidad de películas y documentales, música radiofónica y música para la televisión.

Su actividad parecía no acabar nunca. A los 84 años, acepta ser acompañante para niños en la «École alsacienne», una de las más célebres escuelas privadas de París. A los 89 años compone su Concerto de la fidelité. Tailleferre nunca se alejó de la música, hasta sus últimos instantes siguió componiendo.

No puede considerársela una feminista pero sin duda fue una mujer liberal que siempre lucho por cumplir sus metas profesionales y que participó de círculos donde ella era la única mujer. En lo que respecta a su vida privada se puede ver claramente esta actitud. Se casó dos veces, sus dos matrimonios fueron un obstáculo para la composición y ella terminó divorciándose en 1929 y en 1955.

Destacan las Seis canciones francesas que compone a partir de textos de los siglos XV al XVIII que hablan de la condición femenina. Cada pieza esta dedicada a una amiga. Esta es su única obra “feminista” compuesta luego del divorcio con su primer marido en el año 1929.


LA mujer del grupo francés

Los Seis en 1920: Jean Cocteau (piano), Darius Milhaud, Georges Auric, Arthur Honegger, Germaine Tailleferre, Francis Poulenc, and Louis Durey.

Germaine Tailleferre fue compañera en el conservatorio de París de Darius Milhaud, Georges Auric y Arthur Honegger. En 1920 cuando se funda el grupo de los Seis ella se convierte en la única mujer del grupo. Colaboró con ellos en una colección de piezas para piano llamada Album des Six (1920), y con cuatro de ellos en el ballet Les mariés de la tour Eiffel (1921). El grupo no sobrevivió mucho tiempo como entidad, pero su concepción estética se mantuvo viva en la obra musical de Germaine Tailleferre. Aunque las actividades del grupo fueron reducidas sus integrantes continuaron siendo amigos toda la vida.

GERMAINE TAILLEFERRE en el corazón del arte europeo
Fue una gran amiga de Ravel quién promovió muchas de sus obras y ejerció una gran influencia en sus composiciones. Esta fuerte relación finalizó misteriosamente en el año 1930.

Estuvo en contacto permanente con la elite artística. Compone junto a escritores contemporáneos como Claudel, Valéry, Ionesco, Soupault y Tardieu. Frecuenta y entabla amistad con artistas de diversas áreas como Picasso, Modigliani, Guillaume Apollinaire, Marie Laurencin, Paul Fort, Fernand Léger, Stravinsky, Diaghilev, Chaplin, Picasso y Rubinstein.
Su música cautivó a los grandes intérpretes y directores como Ricardo Vinès, Marguerite Long, Arthur Rubinstein, Jacques Thibaud, Alfred Cortot, Lily Laskine, Nicanor Zabaleta, Pierre Monteux, Thomas Beecham, Léopold Stokowski, Serge Koussevitzky, Willem Mengelberg.

Desde su modestia dice: “Escribo música porque me divierte. No es una gran música, yo lo se, pero es jovial, una música alegre que es a veces comparada con esa de los pequeños maestros del siglo XVIII. Eso me enorgullece.”

Videos:

http://www.youtube.com/watch?v=_1tnzcXPWbI Arabesque para clarinete and piano.
http://www.youtube.com/watch?v=hSfMWIUBwPs
Sonata para arpa
http://www.youtube.com/watch?v=15mzZj69wyE Suite Burlesque, piano a cuatro manos

¿El talento beatle oculto?

Un dia como hoy pero de 1943 nacía George Harrison. ¿Su talento se vio opacado por las respectivas personalidades de Paul y Jhon ? , ¿Su repentino exito como autor genero recelos dentro de los beatles?, ¿en la ultima etapa comenzo a desplazar a los supuestos lideres?, ¿ su mente se abrio un poco mas que la del resto de los integrantes , llevando a la banda por nuevos horizontes?. Son muchas las preguntas que nos podemos hacer pero para eso nos tenemos que remontar a los comienzos en la vida del artista.

George, el menor de los cuatro hermanos Harrison, su padre era un conductor de autobus y con ese sueldo mantenia a toda su familia.Vivian en un barrio obrero de liverpool en una casa muy humilde , con solamente tres habitaciones y un calefactor para poder soportar el duro invierno ingles.

El joven Harrison fue el unico de los hermanos que pudo ir a la escuela secundaria, se matriculo en el prestigioso instituto Liverpool. Fue en este instituto donde descubrio sus dotes para el arte,tal así que le compro a un compañero una guitarra , claro que necesito la ayuda financiera de sus padres.

Todas las mañanas casualmente se encontraba en la parada del autobus con Paul , el vinculo cada vez se forjaba mas y el fanatismo de George por la musica crecia dia a dia. Pronto conocerian a un joven universitario , llamado Lennon.Es en ese preciso instante donde se juntan por primera vez,¿quien iba a pensar lo que se vendria despues?

A fines de 1958 la banda que en ese entonces era conocida como "The Quarry Men", se reunian a ensayar en forma constante gracias al apoyo de los padres de George y de Paul. Pero la tia Mimmi de Jhon menospreciaba todo ese esfuerzo, hasta le llego a decir a Lennon que malgastaba su tiempo ,que jamas iba a trinunfar. Toda una visionaria la tia , ¿no?.

"The Quarry men en el año 1958, George harrison(guitarra), Jhon Lennon (Primera guitarra y voz) , Paul McCartney(bajo),Colin Hanton(batería)"

Finalmente llegan los 60´, nacen "Los Beatles", la historia que todos conocemos y en la cual no vamos a centrarnos.

La figura de Harrison en los comienzos de la agrupacion no tenia tanto protagonismo, solamente era el guitarrista de "Los beatles", por su puesto que no es poco ni mucho menos, pero él tenia todo un talento oculto que todavia no habia podido ventilar. Hasta que conoce a su gran mentor, Ravi Shankar(musico y compositor clasico Hindú) que le ayuda a abrir su mente, a llevar la banda hacia otros horizontes.

"Harrison junto a su Maestro y mentor el musico Hindú Ravi Shankar"

Está claro que su creciente talento como compositor, cuando aún formaba parte de los Beatles, fue una de las causas del aumento de tensión interna dentro del grupo, y más aún cuando "While my guitar gently weeps", "Here comes the sun" y "Something", resultaron los mayores atractivos de los LP que los contenían.

"Grabacion de LET IT BE, último albúm Beatle. Se nota en las caras el fastidio y la tensión que vivian"

Pero la carrera de Harrison empieza mucho antes de que los Beatles se separen. "Wonderwall", en 1963, soundtrack de la película del mismo nombre y lleno de experimentos entre la psicodelia y la música hindú. Y posteriormente con "Electronic sounds" una tentativa de exploración con los nacientes sintetizadores.

Su primer trabajo no experimental fue el LP "All things must pass" de 1970, un triple álbum que lo convirtió en el primer ex Beatle en llegar a vender la astronómica cantidad de cinco millones de copias alrededor del mundo. El hit contenido en este álbum era "My sweet lord", un ejercicio de gospel que posteriormente trajo a George muchos problemas judiciales, en vista de sus similitudes con "He's so fine" de las Chiffons de 1963.

"Dark horse" de 1974, fue el punto más álgido de su carrera, su gira promocional incluía una orquesta hindú y revisiones de éxitos de los Beatles, provocando reacciones negativas entre la prensa y el público americano. Claro para la cultura occidental era muy dificil comprender este movimiento ya que estaban acostumbrados a un mismo ritmo sin innovaciones pero pegadiso. En pocas palabras algo que venda, sea redituable y poco profundo.

El musico se sintio tan incomprendido que decidio retirarse por un tiempo, hasta 1979 que saca su nuevo LP titulado "George Harrison", repleto de baladas sin caracteristicas sobresalientes como sus primeros trabajos.

En los 80 Harrison deja un poco de lado la música para formar una compañía de producción cinematográfica, que tuvo como feliz resultado "The life of Brian" un alocado proyecto de los Monty/Python. La compañía se llama Handmade Films y es actualmente una importante entidad en el cine independiente británico.

• http://www.youtube.com/watch?v=RuuOAA9ekbg, In Spite of All The Danger - The Quarrymen.
• http://www.youtube.com/watch?v=4O_EYs0KeX0 SOME OTHER GUY- THE BEATLES (Carvern Club) 1962.
• http://www.youtube.com/watch?v=GrxRAvnU1FQ Within You, Without You, gran influencia Hindu.
• http://www.youtube.com/watch?v=jZZ96J_PVbk Concert for Bangladesh, 1971.
• http://www.youtube.com/watch?v=wynYMJwEPH8&feature=related My Sweet Lord
• http://www.youtube.com/watch?v=T7qpfGVUd8c&feature=related While My Guitar Gently Weeps
• http://www.youtube.com/watch?v=brNF7d_SfuI Dark Hourse, 1974
• http://www.youtube.com/watch?v=vpjslyQH6vY&feature=related Gopala Krishna

We Are the World por Haití 2010

"La grada de famosos, entre ellos : Barbara Streisand, los Jonas Brothers, Wyclef Jean y Pink "

Casi un centenar de artistas participan en la grabación de una nueva versión de la canción "We Are the World" (1985), de Michael Jackson y Lionel Richie, esta vez para recaudar fondos para los damnificados por el terremoto de Haití.

Según informó la Fundación que lo hace posible, a los 25 años de la primera grabación del tema original, han reclutado a artistas como Celine Dion y el haitiano Wyclef Jean, con el fin de lograr una suma por lo menos igual a la de 1985, cuando se lograron 63 millones de dólares para África.
Wyclef Jean, cantante haitiano e impulsor de la grabación, agradeció la participación de sus compañeros por su contribución y por ceder sus voces para ayudar a sus compatriotas haitianos.
Jean subrayó emocionado antes de la grabación cómo él podría ser uno de estos niños de Haití "si no hubiera tenido la oportunidad de venir a Estados Unidos".

El rapero Haitiano Wyclef Jean

En la grabación están colaborando el productor RedOne y Will.I.Am de Black Eyed Peas y en total, ochenta artistas participaron en la primera sesión que tuvo lugar este lunes en el mismo estudio en el que se grabó la original: los Henson Recording Studios en Hollywood.
El productor Quincy Jones ha sido el responsable de unir bajo la batuta de Lionel Richie, coautor y productor de la versión de 1985, una nueva canción actualizada en la que participan su hija Nicole Richie y su niega Harlow Madden.

Durante la grabación musical, el cineasta Paul Haggis ("Crash", - 2005) ha rodado un vídeo sobre la sesión que se venderá con la versión contemporánea del tema de Michael Jackson, cuyos fondos irán directos a los esfuerzos de ayuda para los damnificados por el terremoto a través de la fundación ‘We are the World Foundation'.
Richie explicó que este proyecto no es simplemente una reinterpretación del tema con nuevos artistas sino una aproximación desde una perspectiva más moderna en la que pueden escucharse ritmos de tambores y hip hop.

Según la cadena especializada de música MTV, eso podría explicar que ninguno de los cantantes que participaron en la versión de 1985 estuvieron en la maratoniana sesión de grabación que comenzó el lunes por la noche y que continuará durante esta semana.

En vez de Bob Dylan, Bruce Springsteen o Cyndi Lauper, la nueva versión cuenta con Justin Bieber, el cantante de hip hop Lil Wayne, el cantautor y tenor estadounidense Josh Groban, Usher, Enrique Iglesias y otros cantantes populares entre los más jóvenes como Miley Cyrus y los Jonas Brothers.
Se había rumoreado que Lady Gaga, Beyoncé, Taylor Swift, Jay-Z y Justin Timberlake participarían en el proyecto, pero al menos en la primera sesión no estuvieron presentes.
Entre los veteranos se encuentran Barbra Streisand, Carlos Santana, Natalie Cole, BeBe Winans, Freda Payne, Harry Connick Jr, o los miembros del grupo "Beach Boys'" Brian Wilson y Al Jardine.

No faltará la voz del propio Michael Jackson, que había vuelto a interpretar la canción para su gira ‘This Is It', que resultó truncada por su muerte el pasado 25 de junio.
Se espera que Janet Jackson acuda hoy martes al estudio para grabar su parte de la canción y las voces de otros artistas que no pudieron acudir a la grabación conjunta se sumarán en los próximos días.

‘We are the World' salió al mercado en 1985 con el propósito de recaudar fondos para ayuda en África y estuvo respaldado por 45 estrellas como Bob Dylan, Ray Charles, Diana Ross, Tina Turner, Stevie Wonder, Bruce Springsteen, Cyndi Lauper y los hermanos Jackson.

"El rapero Snoop Dogg en la grabacion de We Are the World 2010"

La versión de 2010, que se titulará ‘We Are the World - 25 for Haiti' , será presentada oficialmente durante la ceremonia de los Juegos Olímpicos de Invierno, que se celebrarán en la ciudad canadiense de Vancouver el próximo 12 de febrero, aunque podrá verse antes a través de otros canales en el mundo.

Nota completa en :http://www.elespectador.com/entretenimiento/agenda/musica/articulo185506-varios-artistas-graban-we-are-the-world-haiti

El nuevo video : http://www.youtube.com/watch?v=Glny4jSciVI

Beca MELOS/GANDINI

Se seleccionaran hasta doce compositores, para formar parte de un seminario dictado por el Mtro. Gandini, a llevarse a cabo entre abril y septiembre, en días sábados por la mañana.

Las bases y condiciones se pueden consultar en: http://www.melos.com.ar

http://www.melos.com.ar/bod/novedad-beca-gandini-10.html (link BECA MELOS/GANDINI 2010)

El cierre de inscripción será el 12 de marzo de 2010 a las 18 horas.

Difundir!!

Philip Glass

Un compositor prolífico y exitoso

Comenzó sus estudios de piano y flauta en el mundo académico y fue alumno de Darius Milhaud y Nadia Boulanger. Sin embargo, pronto decidió explorar otros estilos y lenguajes.





- El mundo hindú
Al igual que los Beatles trabajó con Ravi Shankar. Se hizo budista, conoció al Dalái Lama y se transformó en un gran defensor de la causa tibetana. La música india lo influenció mucho en lo que fue la definición de su propio estilo. En 1990 edita "Passages" junto a Ravi Shankar: http://www.youtube.com/watch?v=ugIbmTKrcHc&feature=related


- Música y cine
Se ha hecho famoso por componer música para gran cantidad de películas. Comenzó en 1982 con la película experimental Koyaanisqatsi de Godfrey Regio y producida por Francis Ford Coppola. Aquí el trailer de la película:
http://www.youtube.com/watch?v=PirH8PADDgQ&feature=related

En 1997 fue nominado al Oscar por la música de la película Kundun sobre el Dalai Lama (Martin Scorsese, 1997). En 1998 ganó el Globo de Oro a la Mejor Música Original para la película The Truman Show. Fue nominado al Oscar en 2002 en la categoría Mejor banda sonora por la película Las horas (inspirada en novela de Virginia Woolf Mrs Dalloway). Con este film ganaría en los premiso BAFTA.
http://www.youtube.com/watch?v=62ccse4Ph5Q&feature=related


- Diversidad
Philip Glass trabajó con artistas de diversas áreas (danza, literatura, cine) y con gran cantidad de músicos populares, por ejemplo: Paul Simon, Linda Ronstadt o David Bowie para quien hizo la orquestación de algunas partes instrumentales de sus discos de Low y Heroes (Low Symphony y Heroes Symphony).

Para quienes quieran escucharlo junto a Linda Ronstadt: http://www.youtube.com/watch?v=Sf1kEgL7DVg

- Formas tradicionales
Además compuso sinfonías, conciertos, música de cámara y óperas. La última y número 23 fue estrenada en 2009. Está basada en la vida del científico Johannes Kepler. http://www.youtube.com/watch?v=6T-5VxhPXZY

Se lo suele catalogar como minimalista ya que gran parte de su producción corresponde a este estilo. Sin embargo Philip Glass no se considera así y se define como un compositor de “música con estructuras repetitivas”.





Dos solistas, 14 timbales en el escenario

Para este domingo escuchemos una obra de una gran fuerza rítmica: el Concierto fantasía para dos timbalistas y orquesta. Se utilizan 14 timbales ya que cada uno de los solistas debe tocar 7; esto produce una movilidad muy grande en donde la interpretación pasa a ser también muy visual. La obra requiere de un gran virtuosismo de parte de los solistas.
El concierto fue estrenado en el año 2000 en Nueva York. En Argentina se estrenó el año pasado a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional.


Para los curiosos y/o fanáticos:
http://www.youtube.com/watch?v=QvIuzUF1fWs
Concierto fantasía para dos timbalistas y orquesta - Jonathan Haas and John Chimes with the BBC Symphony.

http://www.youtube.com/watch?v=A1vMpkIRAjo&feature=related Philip Glass en piano interpreta Mad Rush

A LOS 88 AÑOS, MURIO ARIEL RAMIREZ, PIANISTA Y COMPOSITOR, UNO DE LOS GRANDES SIMBOLOS DE LA MUSICA POPULAR ARGENTINA

El músico que fue coronación del folklore

Autor de canciones emblemáticas como “Alfonsina y el mar” y obras conceptuales como la “Misa criolla”, desarrolló un aporte fundamental a lo mejor del folklore argentino.

Por Karina Micheletto- Página 12
Fue uno de los compositores más renombrados de la música folklórica argentina y uno de los que mostró sus posibilidades en el mundo entero, con obras conceptuales y espectáculos que propusieron al folklore como “música para escuchar”, en tiempos en que se acostumbraba encasillar al género como “festivo”. Fue, también, un hombre que marcó records a fuerza de talento: se lo consigna como el autor de la canción traducida a más idiomas del cancionero (“Alfonsina y el mar”) y de la obra del género folklórico que más discos vendió en el mundo (Misa criolla. El pianista y compositor Ariel Ramírez falleció ayer, a los 88 años.


ver nota completa en : http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-17000-2010-02-19.html

BARTOLI Y GENAUX DOS CHICAS CON ALTA VELOCIDAD

CECILIA BARTOLI Sacrificium!!

Cecilia Bártoli, es una cantante italiana que supero todos los limites de posibilidades de rutina.
Su voz combina los sonidos de mezzo y de soprano.

Junto a un grupo de investigadores, trabaja en la recuperación de obras desconocidas que una vez recuperadas se editan buscando la orquestación mas aproximada al original. El trabajo mas difícil es el de la difusión y distribución de los mismos materiales.


Todo comenzo en el 2000 con el disco de Vivaldi, luego Gluck, después Salieri y más tarde nos sorprendio con Musica Prohibida (dedicado a las obras prohibidas por la iglesia). Luego llegó el homenaje a Maria Malibran y ahora nos presenta Sacrificium (sacrificio en latin).


Este nuevo trabajo tiene un doble fin: la profunda búsqueda del sonido del castrado y por otra parte la investigación de este tipo de martirio.
Asi como en estos momentos millones de jóvenes y no tan jóvenes se inyectan, cortan y agregan materiales a su cuerpo para “verse mejor” por exigencia de la sociedad actual, antes, sucedía con los niños.
Solamente en Italia a mediados del siglo XVIII castraron a 4000 niños de los cuales la mitad murieron en la operación. Una parte de estos niños cantaron en coros, otros cantaron para las familias y algunos más privilegiados fueron los grandes divos. Para estos últimos se escribieron obras especialmente dedicadas para ellos, como el caso de Il Re Pastore de Mozart.

http://www.youtube.com/watch?v=NAJqwHa04Eo




VIVICA GENAUD Pirotecnias!!

Sobre los últimos dias de año pasado, se presentó en Paris, la mezzo nacida en Alaska, Vivica Genaud.

Junto a Cecilia Bartoli, son las cantantes especialistas del repertorio barroco, hasta el bel canto, pasando por Mozart.

En el mes de mayo la hemos podido disfrutar gracias al Mozarteum, en el teatro Coliseo de Buenos Aires.

Su vos es mucho mas oscura que la de Bartoli y produce esos efectos que asombran al publico, con la coloratura tan rápida o esas notas muy extendidas que pareciera no respirara jamás.

Vivíca ya lleva 10 años de carrera internacional: la maneja de manera muy mesurada, cuidando su registro y haciendo un balance de las obras que elige o acepta cantar en cada nuevo contrato.
Durante los últimos meses del año presentó su último disco “pirotecnias” totalmente dedicado al compositor Antonio Vivaldi. A este repertorio dedicó su concierto de fin de año en Paris que compartiremos con ustedes.

http://www.youtube.com/watch?v=hTpIRFiKTqo

Sir McCartney en el Bicentenario?.....

Ha trascendido la información de que el ex Beatle, Paul McCartney, se presentaría en Buenos Aires y lo haría de forma gratuita. Al parecer, se le filtró la información al Gobierno de la Ciudad de Bueno Aires que estaría organizando la llegada de Paul al país para que toque en forma gratuita para todos en la avenida 9 de Julio, aunque todavía no se confirmó oficialmente.

En 1991 fue la banda Soda Stereo la pionera en hacer un show en el obelisco y se trató de un recital inmenso,gratuito y con una convocatoria monumental. Por su parte McCartney que se encuentra realizando su gira mundial comunicó que podría ser la última que realice y que a sus casi 70 años quiere tocar esporádicamente en lugares que lo inspiren.

http://www.youtube.com/watch?v=9yOktBoBbSs&feature=related My Love & Maybe I'm Amazed(2002)

http://www.youtube.com/watch?v=1c5pgo6zU10 Nineteen Hundred and Eighty Five.Paul McCartney and Wings

http://www.youtube.com/watch?v=a3oqS6jl5aQ Besame mucho, ensayo de let it be 1969.

Yo Yo Ma - Hablar a través del chelo

“Mi instrumento es mi voz”, dijo más de una vez el músico que sumó un nuevo Grammy a su carrera por su disco Songs of joy and peace para el que grabó con James Taylor y Diana Krall, entre otros. Un artista global en constante búsqueda.

Por Ramiro Albino - Diario Perfil

ACADEMICO. De raíz clásica, sumó a su repertorio jazz, tango y otras melodías populares.

Hace pocos días que el chelista Yo Yo Ma ganó otro Grammy, el número 16 de su carrera. Se trata nuevamente de un disco de la categoría Classical Crossover, en la que artistas de formación y trayectoria dentro de la música clásica, rompen sus límites para abordar aquellos repertorios que llamamos “populares”, como el folclore o la canción. Bajo el sugerente título de Songs of joy and peace (canciones de gozo y paz), el reconocido músico culminó sus actividades de 2009 con un disco celebrativo, relacionado con el espíritu de las fiestas de fin de año, al que invitó a personajes musicales de diferentes extracciones: Diana Krall, Dave Brubeck, James Taylor, Odair Assad, Paquito de Rivera y Renée Fleming, entre otros. Tras el éxito de ese álbum, la semana pasada lanzó al mercado un CD con los Tríos con piano, opus 49 y opus 66, de Mendelssohn, un disco grabado el año pasado para conmemorar el aniversario del bicentenario del nacimiento del compositor. Su carrera no se detiene.

Las circunstancias de su vida lo condicionaron. Nació en París, hijo de chinos, y a los siete años se mudó a Nueva York. Su padre era violinista y musicólogo, y su madre, cantante. De niño quiso estudiar el contrabajo, pero dada su estatura, sus formadores entendieron que era mejor que comenzara con una viola adaptada para ser usada como chelo. Al mudarse a los Estados Unidos, sus profesores descubrieron su inabarcable talento y lo animaron a continuar con el chelo y a desestimar su idea original. Escuchó tocar y tomó clases con los principales chelistas de nuestro tiempo y se formó en dos de los granes centros de estudios musicales del mundo: la Juilliard School of Music y la universidad de Harvard. Esa mezcla de estímulos y circunstancias decantó en un perfil musical único. Es que Yo Yo Ma es uno de los pocos casos de artistas que encarnan al pensamiento globalizado contemporáneo, adaptado a la música. Alguien que no se conforma con el pensamiento académico, sino que acepta y valora que haya otros estilos, otras influencias.

Una de las particularidades de este excepcional chelista es el haber adaptado música de diferentes vertientes a su instrumento, asociado casi con exclusividad a la música clásica. Esto lo logra no sólo con el buen gusto de sus arreglos, sino con una técnica impecable y una finísima investigación y búsqueda desde el sonido, lo que le permite abordar con altísimo nivel el vasto repertorio de la literatura para chelo escrita desde el siglo XVIII hasta nuestros días. Es así que sumó jazz, tango, música brasileña, estilos populares africanos y melodías populares a su repertorio. Se vio influenciado por giros y formas de decir de estos estilos y armó así, un discurso propio, único y entendible para todos.

Basado en la idea de que “el chelo es mi voz” (frase que suele repetir en reportajes, escritos y anécdotas), él ha decidido “hablar” todos los idiomas que pueda.

El 11 de junio de este año volverá a presentarse en el Teatro Colón, junto a Kathryn Stott en piano, en la primera función del nuevo Abono Bicentenario.

Nota extraída de: http://www.diarioperfil.com.ar/edimp/0443/articulo.php?art=19873&ed=0443

Placido Domingo...

Placido Domingo reinventa su voz

Luego de 50 años de carrera, en los cuales ha cantado, dirigido, actuado y coordinado todo el repertorio, pensado e impensado a la cuerda de tenor.

Su participación activa en los medios masivos, (Cine Television, estadios etc), su encuentro paralelo con la música popular con cada uno de los paises que visita, transitado el folklore, tango, bolero, rock, tropical y popp.

Nos entrega con esta primera tanda de despedidas, su esperadisimo Simón Boccanegra de Verdi, que junto a cada uno de los solistas, directores y registas que hacen las perfomances, llegan a un extremo de actuación y sensibilidad imposible de no conmoverse, con el desarrollo de este querible personaje del pirata Genovés.

Duo Placido Angela Gheorghiu:

http://www.youtube.com/watch?v=sExTT42bYcQ

http://www.youtube.com/watch?v=R-9h9PgJ8cM

Escena del consiglio:

http://www.youtube.com/watch?v=ofRoCSFzHBk

Placido firmando autógrafos:

http://www.youtube.com/watch?v=mu_ssZlCmvc

Cuando una sola nota es capaz de expresar la belleza

La voz de las campanas


“Puedo comparar mi música a la luz blanca que contiene todos los colores. Solo un prisma puede separar la luz para que los colores aparezcan; este prisma puede ser el espíritu del oyente.” Arvo Pärt






Arvo Pärt parece un hombre de otro mundo: tranquilo, profundamente religioso, amigo del silencio, la soledad y la contemplación. Un hombre sabio, un músico virtuoso y original. Vive entre nosotros y compone desde este siglo XXI, sin embargo su música parece una música antigua, del pasado o quizás una música sin tiempo. Arvo Pärt parece querer hablarnos desde otro lugar: “Si alguien desea entenderme debe escuchar mi música; si alguien quiere conocer mi filosofía, puede leer cualquiera de los Padres de la Iglesia”

Hace más de 30 años inventó una técnica llamada por el mismo “tintinnabuli” (del latín: pequeñas campanas). La música que surge es calma y lleva algo de esa paz del silencio que Arvo Pärt vive.

Él mismo describe “He descubierto que es suficiente cuando una sola nota es tocada bellamente. Esta nota, o un golpe callado, o un momento de silencio, me conforta. Trabajo con muy pocos elementos (con una voz o dos voces, y construyo a partir de elementos primitivos) con la tríada, con una tonalidad específica. Las tres notas de una tríada son como campanas y es por eso que lo llamo tintinabulation (tintineo).”

El estilo de Arvo Pärt es contemplativo. “Aquí estoy, solo, con el silencio. He descubierto que es suficiente cuando se toca una sola nota (...) Lo temporal y lo intemporal están conectados. El instante y la eternidad están en lucha con nosotros. Y esta es la razón de todas nuestras contradicciones…” (Arvo Pärt)

Al escuchar esas pocas notas que fluyen, Pärt parece lograr vencer la rigidez del espacio-tiempo y comienza a reinar un presente eterno, un tiempo no lineal.

El compositor minimalista Steve Reich comentó acerca de Pärt: «Ya desde que estaba en Estonia, Arvo estaba sintiendo lo mismo que el resto de nosotros. [...] Amo su música y amo el hecho de que sea un hombre tan talentoso y valiente. [...] Está completamente fuera de la corriente dominante y sin embargo es enormemente popular, lo cual es muy inspirador. Su música llena una profunda necesidad humana que no tiene nada que ver con la moda».

Aquí el link de algunos videos:

http://www.youtube.com/watch?v=8LBvyBza-lc Paul Barnes performs Arvo Pärt's Für Alina

http://www.youtube.com/watch?v=RxKqg0Fwsro&feature=related Arvo Pärt - Da Pacem Domine from 'In Principio'.

http://www.youtube.com/watch?v=MZTGYxVGzQg&feature=related Arvo Pärt: Silouans Song

Arvo Pärt

Historia de vida:

• Arvo Pärt nace en Estonia en 1935.
• A los pocos años, en 1944, Estonia es ocupada por la Unión Soviética, dominio que seguirá durante 50 años manteniendo aislada a Estonia del resto del mundo.
• Sus comienzos en la composición fueron neoclásicos.
• En 1960 compone Necrology, la primer composición estonia que utilizó el método serial.
• Durante algunos años de crisis se adentró en un silencio contemplativo. Su respuesta fue sumergirse en la música antigua, para volver a las raíces de la música occidental. Estudió canto llano, canto gregoriano y música renacentista, en especial de los compositores franco flamencos.
• Se convirtió a la Iglesia Ortodoxa y retomó la composición musical ahora con un nuevo estilo. El cambio fue tan radical que las composiciones de uno y otro período no parecen ser del mismo autor.
• Ingresó en lo que se conoce como “Minimalismo Sacro” al que pertenecen autores como Tavener, Henryk Gorecki y la ya escuchada en programas anteriores: Sofia Gubaidulina.
  Su música comenzó a tocarse en el resto del mundo mientras en su país continuaba enfrentándose con el oficialismo soviético.
• Finalmente, tuvo que irse y se radocó en Viena en 1980.
• Su música se ha usado en más de cincuenta filmes.
  
  Les recomendamos una página para aquellos que quieran encontrar más información de Arvo Pärt http://www.arvopart.info/ (en inglés)

Rock Sinfónico ARGENTO

1971 un año inolvidable para la historia del rock nacional. Vox Dei un grupo que hasta el momento no pisaba fuerte, daba el batacaso con LA BIBLIA ,un álbum profundo y ambicioso.

La parte que nos toca analizar a nosotros es el trabajo orquestal en las canciones finales del álbum.En "NACIMIENTO DE CRISTO" se contrato una orquesta de cincuenta músicos, algo impensado para la época.

"Llegamos a los estudios Phonal para ver la grabacion de la orquesta de cuerdas de ROBERTO LAR.Cuando escuché ese magnífico trabajo,que aquí podemos apreciar por completo, le dije Roberto me haces recordar el modo de Maurice Ravel.El se sorprendió gratamente por mi observacion.No sabia que hacia años que yo escuchaba música clásica y que me gustaba Ravel.

También la grabacion del coro fue inolvidable.Recuerdo a una cantante que estaba embarazada y tejiendo batitas y así nomas cantaba con una voz increíble", declaró Willi Quiroga (bajo y voz) refiriéndose a las cintas originales que se recuperaron y se remasterizaron.

Ustedes, seguidores de medianoche podrán escuchar en el programa del domingo la digitalizacion de estas cintas, las tomas y ensayos nunca antes escuchadas , la orquesta y mucho mas.

Pero antes deleitense con la actuación del grupo junto a orquesta en el teatro Roma de Avellaneda.

http://www.youtube.com/watch?v=60cm5sJeWng

http://www.youtube.com/watch?v=jfQBzmPzRl4

Pink Floyd de la psicodelia a lo sinfónico

Atom Heart Mother









Un álbum que salio a la venta el 10 de octubre de 1970 y que tiene como característica principal el cambio de genero, ya que los Floyd pasaron del rock psicodelico al rock sinfónico en el cual dejaron la marca mas importante.






El tema principal del álbum , Atom Heart Mother fue compuesto por toda la banda(Mason,Wright,Waters).Esto trajo graves problemas para llegar al producto final, por que cada integrante del grupo tenia ideas diferentes.

Sin embargo el single fue todo un éxito. Tiene una duración de 23:44 , convirtiéndose en una de las canciones mas largas del Rock. Además posee una orquestacion muy singular , escrita por Ron Geesin.

http://www.youtube.com/watch?v=N89gb2KcdSc primera parte










The great gig in the sky





http://www.youtube.com./watch?v=MV1rM_vKTLI

Pertenece al álbum The dark side of the moon del año 1973.

Características Principales:



Gran interpretación vocal de Clare Torry.



Inspira muerte, tristeza , sentimientos muy oscuros. Hasta el mismísimo Waters le dijo a Torry: "inspirate en la muerte en lo mas oscuro de tus pensamientos".


También se escucha un relato al principio de la canción interpretado por el PORTERO de abbey road y dice mas o menos asì : "NO TENGO MIEDO DE MORIR , NUNCA DIJE QUE TENGO MIEDO DE MORIR".

La mirada de un francés fascinado por España

Interacciones entre culturas, estilos e idiomas
















Henri Collet, hoy en día reconocido como crítico musical, fue un hombre de múltiples intereses. Indudablemente un apasionado del mundo español, un personaje curioso que se interesó por la literatura, la escritura, los idiomas, la composición, la recopilación de canciones folclóricas y la interpretación musical (tocaba el piano y el corno). Fue un exitoso critico musical y musicólogo, literato, novelista y pedagogo. Cuentan que enamorado de España llegó a recorrer Castilla a lomos de un asno para recopilar cantos folclóricos.

Como compositor ha sido muy poco difundido. Por lo general se lo conoce por haber denominado a un grupo de compositores del conservatorio de Paris como el Grupo de los Seis (Poulenc, Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre) comparándolos con el grupo de los Cinco de Rusia. El artículo en ‘Les cinq Russes, les six Français et M. Satie’ fue publicado en el periódico Comoedia, en enero de 1920.

Sus dos grandes intereses (la literatura y la música) se vieron influenciadas por su pasión por España. Empesó estudiando castellano, se doctoró estudiando la música española con su tesis El misticismo musical español en el siglo XVI, trabajó sobre el folclore castellano con Federico Olmeda y Felipe Pedrell, fue profesor de español en París y durante años estudió la obra de Cervantes. A tal punto llegó su interés por este autor que compuso tres obras inspiradas en él: La cueva de Salamanca, La Gitanilla y Cervantes à Alger. Además inspirado en el Don Quijote escribió La Isla de Barataria con la que obtuvo el premio Nacional de Literatura en 1929. Collet se transforma en un verdadero detective tras las huellas del Quijote y Sancho, en un universo entre la realidad, la ficción y la fantasmagoría. Y se pregunta: Habrán existido en verdad los personajes de Cervantes?

La mayoría de sus piezas están basadas en el folclor español o están inspirados en algún elemento de este país, por ejemplo sus ballets Los toreros y Le Cabaret Español, sus Conciertos Flamencos, su Rapsodia Castellana, las Siete canciones populares de Burgos, la Sonata Castellana y entre otras su Sinfonía La Alambra.

La dimensión folclórica es una marca indisociable de las composiciones de Collet; el mismo ha dicho:
“El folclore ha salvado la música moderna… nos revela el precio de la concisión, el valor de una melodía cantada y de los ritmos libres, la novedad de una instrumentación simple, aérea, y brillante.” (Collet, Henri, La Musique Populaire, 1925.)

En Collet indudablemente la inspiración ha surgido de España, sin embargo en él encontramos una escritura y un estilo francés.


Para este domingo:

1-Sinfonía de la Alhambra: compuesta en 1947 funde el lirismo de raíz hispana con la claridad y simplicidad que promovía el Grupo de los Seis. Tiene una inspiración orientalista donde abundan las segundas aumentadas, escalas y cadencias andaluzas, así como alusiones al canto flamenco. Esta obra quedó inédita y fue estrenada recién en 1996 por la sinfónica de Sevilla (http://hemeroteca.abcdesevilla.es/nav/Navigate.exe/hemeroteca/sevilla/abc.sevilla/1996/09/27/085.html)

2- Concerto flamenco No.1 (1946) Para piano y orquesta

3- Concierto Flamenco No.2 (1947) Para violín y orquesta

We are the world 2010: artistas por Haití

"Estrellas de renombre como Barbra Streisand, Celine Dion, Kanye West y Carlos Santana grabaron el lunes el éxito "We Are the World", 25 años después de que la canción fuese un éxito mundial, según informa hoy "Los Angeles Times".

Durante una sesión maratoniana de seis horas, cerca de un centenar de artistas participaron en la grabación: desde el octogenario Tony Bennett hasta el joven quinceañero Justin Bieber.Entre los músicos también se encontraban Brian Wilson y Al Jardine, dos componentes de los Beach Boys, así como el ganador de un Grammy Zac Brown y también Keith Urban, Pink, Jeff Bridges, Vince Vaughn, Usher, Lil Wayne, Toni Braxton, Snoop Dogg, Natalie Cole y Josh Groban.

El productor Quincy Jones ya anunció que las ganancias de la canción se destinarán a los damnificados por el terremoto de Haití.

En 1985, la canción que compusieron Lionel Richie y Michael Jackson, y que produjo Jones, consiguió recaudar más de 50 millones de dólares, que se destinaron a fondos de ayuda para África.La grabación del lunes se realizó en el mismo lugar de Los Angeles, donde hace un cuarto de siglo decenas de estrellas del pop y el rock se pusieron delante de un micrófono por una causa solidaria.

En aquella ocasión no faltaron Diana Ross, Billy Joel, Ray Charles, Bob Dylan, Tina Turner, Stevie Wonder y Willie Nelson. El nuevo single, según el "Times", se escuchará por primera vez durante la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos en la emisora estadounidense NBC.El realizador Paul Haggis ("Crash"), ganador de un Oscar, grabó un video de cómo se realizó la grabación. Este disco estaba planeado desde hace meses y su recaudación se iba a destinar también a África, pero tras el devastador terremoto de Haití los organizadores decidieron cambiar el destino de los beneficios"

Nota extraída de :http://ww1.elcomercio.com/noticiaEC.asp?id_noticia=332557&id_seccion=5