Yo Yo Ma - Hablar a través del chelo

“Mi instrumento es mi voz”, dijo más de una vez el músico que sumó un nuevo Grammy a su carrera por su disco Songs of joy and peace para el que grabó con James Taylor y Diana Krall, entre otros. Un artista global en constante búsqueda.

Por Ramiro Albino - Diario Perfil

ACADEMICO. De raíz clásica, sumó a su repertorio jazz, tango y otras melodías populares.

Hace pocos días que el chelista Yo Yo Ma ganó otro Grammy, el número 16 de su carrera. Se trata nuevamente de un disco de la categoría Classical Crossover, en la que artistas de formación y trayectoria dentro de la música clásica, rompen sus límites para abordar aquellos repertorios que llamamos “populares”, como el folclore o la canción. Bajo el sugerente título de Songs of joy and peace (canciones de gozo y paz), el reconocido músico culminó sus actividades de 2009 con un disco celebrativo, relacionado con el espíritu de las fiestas de fin de año, al que invitó a personajes musicales de diferentes extracciones: Diana Krall, Dave Brubeck, James Taylor, Odair Assad, Paquito de Rivera y Renée Fleming, entre otros. Tras el éxito de ese álbum, la semana pasada lanzó al mercado un CD con los Tríos con piano, opus 49 y opus 66, de Mendelssohn, un disco grabado el año pasado para conmemorar el aniversario del bicentenario del nacimiento del compositor. Su carrera no se detiene.

Las circunstancias de su vida lo condicionaron. Nació en París, hijo de chinos, y a los siete años se mudó a Nueva York. Su padre era violinista y musicólogo, y su madre, cantante. De niño quiso estudiar el contrabajo, pero dada su estatura, sus formadores entendieron que era mejor que comenzara con una viola adaptada para ser usada como chelo. Al mudarse a los Estados Unidos, sus profesores descubrieron su inabarcable talento y lo animaron a continuar con el chelo y a desestimar su idea original. Escuchó tocar y tomó clases con los principales chelistas de nuestro tiempo y se formó en dos de los granes centros de estudios musicales del mundo: la Juilliard School of Music y la universidad de Harvard. Esa mezcla de estímulos y circunstancias decantó en un perfil musical único. Es que Yo Yo Ma es uno de los pocos casos de artistas que encarnan al pensamiento globalizado contemporáneo, adaptado a la música. Alguien que no se conforma con el pensamiento académico, sino que acepta y valora que haya otros estilos, otras influencias.

Una de las particularidades de este excepcional chelista es el haber adaptado música de diferentes vertientes a su instrumento, asociado casi con exclusividad a la música clásica. Esto lo logra no sólo con el buen gusto de sus arreglos, sino con una técnica impecable y una finísima investigación y búsqueda desde el sonido, lo que le permite abordar con altísimo nivel el vasto repertorio de la literatura para chelo escrita desde el siglo XVIII hasta nuestros días. Es así que sumó jazz, tango, música brasileña, estilos populares africanos y melodías populares a su repertorio. Se vio influenciado por giros y formas de decir de estos estilos y armó así, un discurso propio, único y entendible para todos.

Basado en la idea de que “el chelo es mi voz” (frase que suele repetir en reportajes, escritos y anécdotas), él ha decidido “hablar” todos los idiomas que pueda.

El 11 de junio de este año volverá a presentarse en el Teatro Colón, junto a Kathryn Stott en piano, en la primera función del nuevo Abono Bicentenario.

Nota extraída de: http://www.diarioperfil.com.ar/edimp/0443/articulo.php?art=19873&ed=0443

Cuando una sola nota es capaz de expresar la belleza

La voz de las campanas


“Puedo comparar mi música a la luz blanca que contiene todos los colores. Solo un prisma puede separar la luz para que los colores aparezcan; este prisma puede ser el espíritu del oyente.” Arvo Pärt






Arvo Pärt parece un hombre de otro mundo: tranquilo, profundamente religioso, amigo del silencio, la soledad y la contemplación. Un hombre sabio, un músico virtuoso y original. Vive entre nosotros y compone desde este siglo XXI, sin embargo su música parece una música antigua, del pasado o quizás una música sin tiempo. Arvo Pärt parece querer hablarnos desde otro lugar: “Si alguien desea entenderme debe escuchar mi música; si alguien quiere conocer mi filosofía, puede leer cualquiera de los Padres de la Iglesia”

Hace más de 30 años inventó una técnica llamada por el mismo “tintinnabuli” (del latín: pequeñas campanas). La música que surge es calma y lleva algo de esa paz del silencio que Arvo Pärt vive.

Él mismo describe “He descubierto que es suficiente cuando una sola nota es tocada bellamente. Esta nota, o un golpe callado, o un momento de silencio, me conforta. Trabajo con muy pocos elementos (con una voz o dos voces, y construyo a partir de elementos primitivos) con la tríada, con una tonalidad específica. Las tres notas de una tríada son como campanas y es por eso que lo llamo tintinabulation (tintineo).”

El estilo de Arvo Pärt es contemplativo. “Aquí estoy, solo, con el silencio. He descubierto que es suficiente cuando se toca una sola nota (...) Lo temporal y lo intemporal están conectados. El instante y la eternidad están en lucha con nosotros. Y esta es la razón de todas nuestras contradicciones…” (Arvo Pärt)

Al escuchar esas pocas notas que fluyen, Pärt parece lograr vencer la rigidez del espacio-tiempo y comienza a reinar un presente eterno, un tiempo no lineal.

El compositor minimalista Steve Reich comentó acerca de Pärt: «Ya desde que estaba en Estonia, Arvo estaba sintiendo lo mismo que el resto de nosotros. [...] Amo su música y amo el hecho de que sea un hombre tan talentoso y valiente. [...] Está completamente fuera de la corriente dominante y sin embargo es enormemente popular, lo cual es muy inspirador. Su música llena una profunda necesidad humana que no tiene nada que ver con la moda».

Aquí el link de algunos videos:

http://www.youtube.com/watch?v=8LBvyBza-lc Paul Barnes performs Arvo Pärt's Für Alina

http://www.youtube.com/watch?v=RxKqg0Fwsro&feature=related Arvo Pärt - Da Pacem Domine from 'In Principio'.

http://www.youtube.com/watch?v=MZTGYxVGzQg&feature=related Arvo Pärt: Silouans Song

La mirada de un francés fascinado por España

Interacciones entre culturas, estilos e idiomas
















Henri Collet, hoy en día reconocido como crítico musical, fue un hombre de múltiples intereses. Indudablemente un apasionado del mundo español, un personaje curioso que se interesó por la literatura, la escritura, los idiomas, la composición, la recopilación de canciones folclóricas y la interpretación musical (tocaba el piano y el corno). Fue un exitoso critico musical y musicólogo, literato, novelista y pedagogo. Cuentan que enamorado de España llegó a recorrer Castilla a lomos de un asno para recopilar cantos folclóricos.

Como compositor ha sido muy poco difundido. Por lo general se lo conoce por haber denominado a un grupo de compositores del conservatorio de Paris como el Grupo de los Seis (Poulenc, Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre) comparándolos con el grupo de los Cinco de Rusia. El artículo en ‘Les cinq Russes, les six Français et M. Satie’ fue publicado en el periódico Comoedia, en enero de 1920.

Sus dos grandes intereses (la literatura y la música) se vieron influenciadas por su pasión por España. Empesó estudiando castellano, se doctoró estudiando la música española con su tesis El misticismo musical español en el siglo XVI, trabajó sobre el folclore castellano con Federico Olmeda y Felipe Pedrell, fue profesor de español en París y durante años estudió la obra de Cervantes. A tal punto llegó su interés por este autor que compuso tres obras inspiradas en él: La cueva de Salamanca, La Gitanilla y Cervantes à Alger. Además inspirado en el Don Quijote escribió La Isla de Barataria con la que obtuvo el premio Nacional de Literatura en 1929. Collet se transforma en un verdadero detective tras las huellas del Quijote y Sancho, en un universo entre la realidad, la ficción y la fantasmagoría. Y se pregunta: Habrán existido en verdad los personajes de Cervantes?

La mayoría de sus piezas están basadas en el folclor español o están inspirados en algún elemento de este país, por ejemplo sus ballets Los toreros y Le Cabaret Español, sus Conciertos Flamencos, su Rapsodia Castellana, las Siete canciones populares de Burgos, la Sonata Castellana y entre otras su Sinfonía La Alambra.

La dimensión folclórica es una marca indisociable de las composiciones de Collet; el mismo ha dicho:
“El folclore ha salvado la música moderna… nos revela el precio de la concisión, el valor de una melodía cantada y de los ritmos libres, la novedad de una instrumentación simple, aérea, y brillante.” (Collet, Henri, La Musique Populaire, 1925.)

En Collet indudablemente la inspiración ha surgido de España, sin embargo en él encontramos una escritura y un estilo francés.


Para este domingo:

1-Sinfonía de la Alhambra: compuesta en 1947 funde el lirismo de raíz hispana con la claridad y simplicidad que promovía el Grupo de los Seis. Tiene una inspiración orientalista donde abundan las segundas aumentadas, escalas y cadencias andaluzas, así como alusiones al canto flamenco. Esta obra quedó inédita y fue estrenada recién en 1996 por la sinfónica de Sevilla (http://hemeroteca.abcdesevilla.es/nav/Navigate.exe/hemeroteca/sevilla/abc.sevilla/1996/09/27/085.html)

2- Concerto flamenco No.1 (1946) Para piano y orquesta

3- Concierto Flamenco No.2 (1947) Para violín y orquesta

Mujeres que hicieron historia

Clara Wieck Schumann

Fue la pianista más importante del siglo XIX. Estuvo casada con Robert Schumann y fue admirada por personalidades de la época como Goethe, Mendelssohn, Chopin, Paganini y el violinista Joseph Joachim. Además, fue la gran amiga de Johannes Brahms.
Clara fue una talentosa compositora. Desde niña se dedicó al piano y a la escritura musical y a los 14 años compuso su Concierto para Piano Op.7. Sin embargo, la situación de la mujer en esos años no era propicia. ¿Cuantas mujeres compositoras se conocían en esos días? En el caso de Clara su talento era evidente, aún así, su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX, la llevaron a dejar lado su labor compositiva. A la muerte de Robert, en 1856, prácticamente dejó la composición para dedicarse en cuerpo y alma a difundir la obra de su amado.
La carrera de Clara continuó en los más altos niveles profesionales hasta pocos años antes de su muerte. Realizó alrededor de cuarenta giras de conciertos por el continente europeo. Hoy en día sus composiciones son muy reconocidas.

Esta noche compartimos con ustedes el Concertino para piano y orquesta en Fa menor compuesto en 1847. Esta obra magnífica, dedicada a Robert Schuman, nunca fue terminada.

Para los que quieran conocer más de la música de esta gran mujer:
http://www.youtube.com/watch?v=coAULW2ipiY&feature=related
Primer Movimiento de su Concierto Op. 7 en La menor compuesto en 1833 y estrenado en 1835 por la misma Clara con solo 16 años bajo la dirección de Felix Mendelssohn.

En el aniversario de los 50 años de la muerte de Bohuslav Martinu

En el año 2009 llegó a nuestras manos un material nunca antes editado. Se trata de los Tres Fragmentos de Juliette conocidos como “La llave de los sueños”.
Es muy curioso como a veces los planes no tienen los resultado esperados. Parece que Martinu luego del estreno en Praga de su ópera Juliette (1938) decide arreglar algunos fragmentos y traducirlos al francés para que tuviese una mayor difusión. Lamentablemente estos fragmentos tuvieron que esperar 70 años para ser interpretados. La buena noticia es que el concierto grabado en vivo en diciembre de 2008 estuvo a cargo de la Orquesta filarmónica Checa con la dirección de Sir Charles Mackerras y con solistas como Magdalena Kozená y Steve Davislim. La misma recibió el premio a mejor Recital en los Gramophone Awards 2009.

http://www.gramophone.co.uk/awards/disc-award/recital

El cd incluye además los 3 movimientos de la Suite Orquestal Juliette arreglados luego de la muerte del compositor, en el año 1969, por Zbynek Vostrak’s.

Noticias desde Finlandia: Helsinki Festival

El festival reunió a más de 288.000 espectadores en el encuentro con el arte e incluyó teatro, danza, circo, cine, música clásica, artes plásticas, jazz y poesía entre otras actividades.

Para este domingo, directo de finlandia, les ofrecemos el Concierto para Flauta del compositor Kalevi Aho. Esto fue el día 27 de agosto de 2009 con la Finnish Radio Symphony Orchestra, la dirección de Osmo Vänskä y la solista Sharon Bezaly.

Kalevi Aho Con solo 60 años ya ha compuesto 14 sinfonías, 14 conciertos y 4 óperas, además de un gran número de música de cámara. Una de sus sinfonías más peculiares es la séptima: Sinfonía de Insectos (1988) que retoma elementos de su ópera Vida de Insectos. El Concierto para Flauta es una pieza muy personal y reflexiva que fue compuesta en 2002, año del fallecimiento de su padre.

Sharon Bezaly ha grabado más de 20 discos, fue Artista del año en el MIDEM de 2003 y ha abordado un amplísimo repertorio que recorre diversos estilos. En una entrevista publicada en Diverdi ha dicho: “La grandeza de la música reside en que una obra escrita hace cien años sigue siendo relevante hoy en día, pero tenemos el deber de presentar al público las cosas que ocurren ahora mismo, porque la música es algo vivo. (...) Me resulta gratificante combinar los dos tipos de repertorio, porque pienso que uno enriquece al otro. Por ejemplo, mi comprensión de los conciertos de Mozart varía después de haber tocado un concierto de Aho, y viceversa.”

La nota completa en: http://www.diverdi.com/files/boletin/107/2/boletin%20febrero%202008.pdf (página 42)

Para los que quieran escuchar el sonido de Sharon aquí va un link del BIS de un concierto del 18 de Marzo de 2008: http://www.youtube.com/watch?v=OhjR77NjpRg